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martes, 10 de diciembre de 2013

DESCUBIERTA EN LA EXCAVACIÓN DE CÁSTULO LA ESCULTURA DEL UN LEÓN IBER-ROMANO.

NOTICIAS:



Las excavaciones arquelógicas que se están llevando a cabo en la muralla norte del yacimiento Ibero-Romano de Cástulo ( JAén ), han puesto al descubierto una escultura que representa la figura de un león y que, a juicio de los arqueólogos, sería la mejor conservada de las que existen en la Península Ibérica. Se trata de una escultura, de 1.20 metros de largo que parece estar flanqueando uno de los laterales de la puerta de entrada a la ciudad fortificada, aunque los técnicos creen que podría haber otro más. Está documentado entre los siglos II y I antes de Cristo, con la singularidad de que se trata de una figura completa donde se aprecian todos los detalles.
Para el director de las excavaciones, el arqueólogo Vicente Barba, se trata de un hallazgo “excepcional” localizado en el final del periodo ibero y el principal del romano. Y, sobre todo, adquiere una importancia mayor por el contexto donde se ha descubierto: en la puerta de entrada a la ciudad fortificada de Cástulo. Los expertos valoran ahora si esta puerta podría ser la que utilizó el cartaginés Aníbal cuando fue en busca de la princesa Himilce.
“El león es símbolo de fuerza, del vigor indestructible, modelo por tanto de la virtud del noble y la justificación natural de una inmutable sociedad de clases. Presenta unos rasgos muy helenísticos o arcaicos, al ser animales extraños no conocidos realmente y por tanto estarían inmersos en el imaginario de la gente como seres extraños que dominan la naturaleza humana, seres míticos”, apunta el arqueólogo que ha dirigido esta excavación.
Los trabajos se centran ahora en documentar una puerta monumental que parece construirse en época Republicana (o ibero-romana) entre los siglos II-I a.C.. “Podría tratarse de una puerta importante que se construye por una determinada cuestión ceremonial, o de una puerta relacionada con la Segunda Guerra Púnica”, indica Barba. La puerta tiene 3,50 metros de vano y la monumentalidad viene dada por los grandes paramentos de sillares perfectamente labrados y encajados como un gran puzle.
Aunque existen ejemplos de leones similares en la provincias de Córdoba, Sevilla, Málaga y Jaén (como el llamado oso de Porcuna), los expertos aseguran que ninguno es tan espectacular y se encuentra tan completo y bien conservado como el que ha aparecido en Cástulo. “Podemos decir que es el león más impresionante y mejor conservado que hay en la Península Ibérica.
Tiene entre sus garras la cabeza de un personaje humano, como símbolo de la muerte, de la dominación del animal sobre la naturaleza humana. Creo que en este caso sería la imagen protectora de la ciudad de Cástulo”, apunta el director de las excavaciones arqueológicas.
Cástulo está considerado ya uno de los sitios arqueológicos más importantes de la península. Con más de 4.000 años de vida, este yacimiento tiene la particularidad de que no tiene encima la ciudad moderna, lo que permite profundizar en las excavaciones. En concreto, las tareas de recuperación en la muralla las está financiando la Diputación de Jaén, cuya responsable de Promoción y Turismo, Ángeles Férriz, ha destacado la trascendencia de la escultura localizada.
El león ibero-romano descubierto en Cástulo se suma a los importantes hallazgos de los últimos años en este yacimiento. El más importante y emblemático es el llamado Mosaico de los Amores, que destaca por sus dimensiones (12 x 6 metros) como por su enorme variedad cromática. Está compuesto por teselas características del Alto Imperio y semejantes a las de Pompeya. Este mosaico fue reconocido por Nacional Geographic entre los descubrimientos más importantes de 2012
Cástulo está catalogado por la Junta de Andalucía como Conjunto Arqueológico e institución del Patrimonio Histórico Andaluz con gestión diferenciada, lo que supone equipararlo con sitios tan importantes como Madinat Al-Zahra o Baelo Claudia. Cástulo fue escenario de la Segunda Guerra Púnica que enfrentó a cartagineses con romanos y una de las pocas ciudades que acuñaron su propia moneda desde finales del siglo III antes de Cristo. El yacimiento cuenta con un Centro de Interpretación para conocer una de las ciudades más importantes del Mediterráneo en la época ibera.
Cástulo se convierte así en la piedra angular del proyecto Viaje al tiempo de los iberos, un proyecto turístico-cultural que quiere poner en valor algunos de los 500 yacimientos iberos inventariados en la provincia jiennense.

FUENTE-El País.

HALLADA UNA CRIPTA DEL SIGLO VI EN LA IGLESIA DE SANT JUST BARCELONA.

NOTICIAS:



La tercera campaña de excavaciones en la iglesia de los mártires Just i Pastor, en Barcelona, realizada entre septiembre y noviembre, ha permitido descubrir nuevos restos arqueológicos.
Bajo la nave de la iglesia se ha hallado el ábside de la basílica del siglo VI y una cripta funeraria, conservada en muy buenas condiciones. En una de las paredes del recinto aparece una pequeña ventana con forma de tronera. “La hipótesis es que mucha gente se acercaba desde el exterior, para mirar a los personajes destacados de la comunidad cristiana allí sepultados y rezar por ellos”, explica Julia Beltrán, conservadora del Museo de Historia de Barcelona (MUHBA), que desde hace tres años se sumerge en las capas subterráneas de la iglesia.
Desde el ábside, la investigación ha tomado otra bifurcación identificando una secuencia de pavimentos de épocas muy distintas, con algunos que se remontan a la tardoantigüedad del siglo VI y se reconocen por el material romano utilizado y otros altomedievales, con mortero de cal
Los arqueólogos que investigan la iglesia creen que hubo en la antigua Barcelona una convivencia de cultos —arriano y católico— con la llegada de los visigodos y que existían dos obispados en la ciudad. Los ciudadanos locales católicos habrían dejado el núcleo episcopal de la actual catedral en manos de los arrianos para desplazarse hasta Sant Just.

FUENTE-El País.

domingo, 8 de diciembre de 2013

APOCALYPSE NOW.

RECOMENDACIÓN:


My film is not a movie. My film is not about Vietnam. It is Vietnam


SINOPSIS:

El capitán Willard (Martin Sheen) es enviado a Vietnam a un lugar de la jungla donde deberá localizar y matar al Coronel Kurtz (Marlon Brando), un ex boina verde que ha organizado su propio ejército y se deja adorar por los nativos. A medida que se adentra en la jungla en su viaje por el río, Willard se ve afectado fuertemente por los poderes de la naturaleza, por diversos conflictos bélicos, y por las infecciones y enfermedades. Sus compañeros se encuentran bajo el efecto de las drogas o sus propios miedos. Poco a poco Willard se convierte en un hombre similar a aquel que tiene que matar.


REPERCUSIÓN HISTÓRICA:

Esta frase de Coppola dicha en el festival de Cannes es la mejor sinopsis de "Apocalypse Now", la película más famosa sobre la Guerra del Vietnam. Y probablemente la película bélica más famosa hasta que se estrenó "Salvar al soldado Ryan".



La he visto en varias ocasiones, la primera vez siendo un adolescente. Cuando termina siempre acabo con la misma sensación. Una sensación que me hace coincidir con la frase de Coppola. Es como el Vietnam. Comienza de forma extraña, en el medio parece que todo va estupendamente y acaba insoportablemente.


De hecho, más de una vez la he dejado de ver en el momento en que llegan al refugio de Kurtz. No aguanto al Marlon Brando. Mejor dicho, no aguanto a "ese" Marlon Brando. En ese época no era el actorazo de "La ley del silencio" o de "¡Viva Zapata!". Ni siquiera era el actor de "El padrino". En ese momento era un divo que se creía que había que reverenciar cada gesto o palabra que dijera. Cobró tres millones de dólares (de 1976) por tres semanas de rodaje. Y sin embargo debemos a Marlon Brando el que exista esta obra cumbre del séptimo arte. Porque ciertamente "Apocalypse Now" es CINE.

El guión es una adaptación de la novela de Joseph Conrad "El corazón de las tinieblas" mezclada con otras obras como "La Odisea" de Homero. La novela de Conrad está ambientada en el Congo Belga del siglo XIX. Orson Welles realizó una adaptación para la radio e incluso quiso llevarla al cine, pero debido al presupuesto que requería al final acabó dirigiendo "Ciudadano Kane". La idea de llevar la novela al cine resurgió en pleno conflicto del Vietnam. El primer borrador fue realizado por John Millius en 1967. Millius era y sigue siendo un militarista convencido y a él le debemos el título; es una contrapropuesta al grito pacifista del movimiento hippy: "Nirvana Now!". Además del título, incluía un final mucho más belicista y en cierta forma parecido al que luego se vería en "La cruz de Hierro". En este primer final, Willard se une a Kurtz en una última batalla contra el Viet-Cong. Mientras Kurtz filosofa sobre las bondades de la violencia entre las explosiones y disparos, le pregunta a Willard porque lucha. Willard responde: "Porque me gusta esto". George Lucas era quien debía dirigir la cinta y la idea era realizarla en medio de la propia guerra del Vietnam para conseguir todo el realismo posible. La Warner Bros se negó en redondo pues estaba segura que iban a matar a esa panda de locos. El proyecto quedó archivado.

En 1975 el proyecto fue retomado. Pero muchas cosas habían cambiado. La primera de todas es que la Guerra del Vietnam se había acabado. La segunda es que el director no iba a ser George Lucas porque este se encontraba metido en la realización de una película de Ciencia-Ficción llamada "La Guerra de las Galaxias". La tercera es que Coppola era multimillonario y tenía unos cuantos Oscars gracias a la saga de "El padrino" por lo que dirigiría y produciría con parte de su patrimonio la película.

El plan era rodar la película en Filipinas durante unas 6 semanas y el presupuesto inicial sería de unos 12 millones de dólares. Pero lo primero era buscar a un actor de primera fila como reclamo y para asegurar el dinero de la producción. Se pensó en Steve McQueen para el papel de Kurtz o de Willard, pero debido a su enfermedad lo rechazó. Seguidamente se le propuso a Brando que también declinó la oferta. Se ofreció el papel de Willard a de Niro y a Al Pacino. Incluso se llegó a pensar en Jack Nicholson y en Robert Redford. Nadie aceptó y Coppola se agarró un cabreo monumental (llegó a arrojar sus Oscars por la ventana) pues sin una gran estrella en el reparto, la United Artist no adelantaría los doce millones de dólares necesarios. Cuando todo parecía perdido, Brando aceptó la oferta de rodar durante tres semanas por tres millones de dólares. Con Brando en el reparto, el dinero para la producción estaba asegurado. "Apocalypse Now" estaba en marcha.

Lo siguiente fue buscar al resto de actores. Debido al presupuesto de Brando los demás deberían de ser conocidos pero de segunda fila. Robert Duvall encarnaría al teniente coronel Kilgore, Denis Hopper a un periodista y Harvey Keitel a Willard. En febrero de 1976 comenzó el rodaje en Filipinas. Y a las dos semanas surgió el primer problema. Keitel lo hacía tan rematadamente mal que fue despedido. En su lugar se contrató a Martin Sheen. Pero las dificultades no habían hecho más que empezar.

Coppola explicó que durante el rodaje de esta película su equipo se comportó como el ejército norteamericano en Vietnam: eran muchos, estaban en medio de la jungla, con enormes cantidades de material y de dinero, y poco a poco se fueron volviendo locos. La mujer de Coppola, Eleanor, fue filmando las diferentes fases del rodaje. Dicho material fue luego usado para la realización del excelente documental "Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse". Y en esa producción podemos ver perfectamente todas las etapas de esa locura. Aquí sólo voy a bosquejar algunas:



En la mítica escena del ataque de los helicópteros se usaron aeronaves del ejército filipino que habían sido utilizadas durante la guerra de Vietnam. Coppola llegó a un acuerdo personal con el dictador Ferdinand Marcos. Esta famosa escena se rodó a pocos kilómetros de Baler lugar de la famosa gesta recogida en la película "Los últimos de Filipinas". La primera vez que se rodó uno de los almacenes de producción fue destruido por error. En otra ocasión, cinco helicópteros fueron retirados para ser utilizados contra la guerrilla comunista. En palabras de Millius, el personaje de Kilgore estaba basado en el cíclope de "La Odisea". Adicionalmente, las chicas "Playboy" están inspiradas en las sirenas del relato homérico.


Coppola se inspiró en la película "Aguirre, la cólera de Dios" para la escenografía de la subida por el río. Simultáneamente quiso representar un viaje en el tiempo, y por ello rodó la escena de la plantación francesa. Dicha escena fue eliminada en la versión estrenada en 1979 y reincorporada en la versión "Redux".

Durante el rodaje, el tifón Olga destruyó gran parte de los decorados. Coppola aprovechó para filmar algunas escenas, pero durante la peor parte del tifón Coppola se puso a preparar un plato de pasta fresca italiana (le costaba 8.000 dólares el vuelo que la transportaba) mientras escuchaba "La Boheme".

Martin Sheen está realmente borracho y drogado durante el rodaje de la escena que abre la película. Ese día cumplía 36 años y Coppola le manipuló para que sacase sus demonios interiores. La escena en la que rompe el espejo es auténtica y a pesar del corte en la mano, Martin insistió en continuar rodando. A los pocos días sufriría un infarto que Coppola ocultó para evitar que United Artist se retirara del proyecto. Se requirió a su hermano, el actor Joe Estevez, que le doblase en algunas escenas. Incluso llegaría a doblarle en el montaje. Tras unas cuantas semanas, Martin se reincorporó.

Parece ser que todo el mundo se drogó en algún momento del rodaje, pero el que se llevó la palma fue Dennis Hopper. Según parece en todas sus escenas estaba totalmente flipado y ni se molestaba en aprenderse su guión. Llegó a ser un autentico incordio para todos.

Coppola introdujo cambios en el guión sobre la marcha. Esto causó más y más retrasos en el rodaje, tantos que la película llegó a conocerse como "Apocalypse When?". Millius fue enviado para intentar poner orden. En sus propias palabras se sintió como Von Rundstedt ante Hitler en 1944 . Iba para decirle "Mi führer, sin gasolina todo está perdido en Rusia" y tras dos horas de conversación salió pensando: "Al diablo con la gasolina. La victoria final es posible". El rodaje continuó.

Brando ni se molestó en leer el libro y ni siquiera se llegó a aprender una sola línea del guión. Coppola comprendió que lo que debía de rodar eran improvisaciones y luego dar un final a la película. Así que se dedicó a conversar con él y rodarle mientras tanto.

Jimmy Carter llegó a ordenar la censura de la película. Para saltarse la censura en su país, Coppola estrenó una versión en el festival de Cannes en la que ni siquiera había títulos de crédito y en la que al final no se destruye el santuario de Kurtz. Al ganar la palma de oro y la fama, la película pudo ser estrenada en los USA.

En la película aparecen actores en papeles secundarios que luego llegarían a ser grandes estrellas como Harrison Ford o Laurence Fishburne. Este último tenía 14 años cuando comenzó el rodaje.

Varias escenas están inspiradas en acontecimientos reales como por ejemplo la escena de la cantimplora. Aunque la más famosa es la matanza de la barca, inspirada en la masacre de Mi.Lai. De hecho, los vietnamitas son en realidad auténticos refugiados vietnamitas establecidos en Filipinas.

La tribu de montagnard que venera a Kurtz fue una tribu filipina contratada al completo por Coppola. El sacrificio de la vaca es real. De hecho la idea de incluirlo fue porque Coppola asistió previamente a uno en su honor. Al finalizar, el sacerdote del pueblo le ofreció el corazón del animal diciendo que se lo merecía porque había demostrado tener un gran corazón. Y ciertamente lo había hecho. Al parecer tuvo tentaciones de suicidarse al menos en tres ocasiones.

Tras 238 días de rodaje en Filipinas, Coppola terminó su particular descenso a los infiernos, pero no la película. La etapa de montaje y post-producción durarían casi dos años. El coste total alcanzaría los 31 millones de dólares incluyendo la fortuna personal de Coppola, pero recaudaría 150 millones en todo el mundo. Treinta y dos años después, Coppola realizó un nuevo montaje con escenas añadidas al que denominó "Apocalypse Now. Redux". En mi opinión alarga innecesariamente la obra y no añade gran cosa

Una película que debe de ser vista obligatoriamente por cualquiera que muestre algo de interés por el CINE.



TRAILER:




Artículo de - Asier Menéndez marín

DECUBIETA EN ISRAEL UNA CASA DE 10.000 AÑOS DE ANTIGUEDAD.

NOTICIAS:


En una tierra con tanta riqueza histórica como la que queda comprendida entre el río Jordán y el Mediterráneo es difícil encontrar yacimientos que sorprendan a los arqueólogos. Esta semana ha visto una rara excepción. Una excavación al suroeste de Jerusalén, en una zona donde se iba a ampliar una carretera, ha descubierto una estructura de 10.000 años de antigüedad, probablemente una vivienda, que según la Agencia de Antigüedades de Israel es la más antigua del lugar, erigida en el Neolítico y cuyos moradores formaban parte de una generación que comenzaba a abandonar el estilo de vida nómada a favor de uno sedentario, abriendo vías al cultivo y la ganadería.


Otras construcciones en la zona pertenecen a la Edad del Cobre, la segunda mitad del quinto milenio antes de Cristo. Junto a los restos de unos edificios cuya finalidad no se ha identificado aún hay un menhir hexagonal de 1,30 metros de altura y varios cientos de kilos de peso, mínimamente pulido en sus seis lados y con su cara más amplia dirigida al este. Los arqueólogos consideran que era un objeto de culto, lo que podría indicar que cerca de él se hallaba un templo. De momento, en la región sólo se han localizado casas de rezo del Calcolítico en Ein Gedi, en la orilla occidental del Mar Muerto, y en Teleilat Ghassul, en la parte jordana de este.Según los arqueólogos, el edificio fue reparado en varias ocasiones a lo largo de los siglos. Junto a la vivienda se encontraron nueve hachas primitivas, probablemente pertenecientes a una era posterior, que habían sido abandonadas por su dueño. Varias se emplearon como instrumentos de cultivo y otras para el culto. De hecho, hay varios indicios de que en el yacimiento hubo diversos sitios erigidos para la actividad religiosa.

Los expertos han podido trazar la evolución de la comunidad asentada en este lugar gracias al crecimiento y la expansión de los edificios a lo largo de los siglos. “Esta excavación nos ofrece un amplio retrato de la evolución y el desarrollo de la sociedad en este asentamiento a lo largo de las eras”, explica Amir Golani, uno de los directores de la misión arqueológica. “De este modo podemos ver claramente que en la Edad del Bronce, hace 5.000 años, la sociedad rural hizo la transición a una sociedad urbana. Podemos ver claramente un asentamiento que fue planificado gradualmente, que fue incluyendo callejones y edificios que eran muy impresionantes desde el punto de vista de su tamaño y la forma de su construcción”.


El yacimiento, 30 kilómetros al oeste de Jerusalén, se halla en el inicio de la llanura que queda justo oeste de las colinas de Judea, que avanza hasta la costa mediterránea. Se han descubierto sus restos en el transcurso de una excavación para la ampliación de la carretera israelí 38, que atraviesa la localidad de Beit Shemesh y que queda al sur de la autovía principal que une Jerusalén con Tel Aviv. Desde este miércoles las autoridades israelíes abrirán de forma temporal los restos a visitas del público y según la portavoz de la Agencia de Antigüedades de Israel, Yoli Schwartz, algunos objetos se retirarán para su exhibición posterior en museos.A los excavadores les sorprendió especialmente una de las estructuras que presenta suelos enlucidos, con una capa de mezcla para tersar la superficie, algo que representa toda una novedad para un tiempo en el que el hombre ni siquiera conocía la cerámica. Cerca de esa casa se han encontrado restos de una preparadora de mezcla para el enlucido y para el calentamiento de piedra caliza, empleada en la construcción de los edificios.

FUENTE-El País

POMPEYA SE CAE DE NUEVO A PEDAZOS.

NOTICIAS:


La noticia, por desgracia, ya no es noticia. Porque los derrumbes en Pompeya en los últimos años se han convertido en un evento demasiado habitual. Más aún en noviembre: este mismo mes, hace tres años, se vino abajo la Schola Armatorum. Y hace tan solo tres semanas, el 4 de noviembre, se derrumbó parte de un muro de la llamada casa 21. Ahora, como informan los principales medios italianos, les ha tocado a uno de los principales edificios de Pompeya, la Casa del Torello de Bronce: un trozo de estuco de un metro por 50 centímetros se ha caído de una bañera de peristilo. Y no solo: en las cercanas termas centrales se ha abierto una brecha de casi dos metros en uno de los muros.
Al parecer, fue un guardia en su habitual ronda de control quien avisó de los derrumbes. “Se ha abierto una brecha de más de dos metros por uno en el muro posterior de las termas. Se trata del mayor conjunto termal del área arqueológica, que ocupa toda una insula [un tipo de edificio cuadrangular]. Estamos hartos de repetir que se podría haber evitado con un mantenimiento ordinario. Por desgracia parece que nadie escucha y el resultado es que cada vez más áreas se vuelven inaccesibles para los turistas”, han asegurado en una declaración conjunta los sindicatos Cisl y Uil.
El área arqueológica lleva años sufriendo derrumbes. De hecho, precisamente para detenerlos el gobierno del entonces presidente Mario Monti puso en marcha el año pasado  el bautizo como gran proyecto Pompeya que, con la colaboración de la UE, debería aportar 105 millones de euros a la conservación de la zona. Sin embargo, como aclara el diario económico Il Sole 24 ore, el proyecto avanza despacio: por un lado, sigue a la espera que sean nombrados su director y subdirector general y, por el otro, tan solo han arrancado cinco de las 30 obras previstas.
Los medios italianos señalan también que las enésimas malas noticias para Pompeya coinciden con el estreno en las salas de Italia de Pompeya, un filme producido por el British Museum y basado en la exposición Life and death in Pompeii and Herculaneum, que cuenta la vida de ambas ciudades antes de la erupción del Vesubio del 79 d. C.

FUENTE-El País.

WATERLOO

RECOMENDACIÓN:



SINOPSIS:

Famosa producción de Dino de Laurentiis sobre las guerras napoleónicas, con un extenso reparto de primeras figuras de la época, miles de extras del ejército soviético y dirigido por Sergei Bondarchuk, que dos años antes había conseguido el Oscar a la mejor película extranjera para la Unión Soviética con "Guerra y Paz", adaptación de la novela de Tolstói.

REPERCUSIÓN HISTÓRICA:

Para cualquier amante de la historia la película "Waterloo" es un clásico. Y lo curioso es que se junta en su realización a dos personajes que cada uno por su lado, habían tratado de reflejar un aspecto de las Guerras Napoleónicas en una película. Se trataba de Dino de Laurentis, el productor de "War and Peace", que tuvo el acierto de encargar la dirección a Sergei Bondarchuk, el director de la GRAN película "Voyna i Mir".


Nuevamente se volvió a contar con los soldados del Ejército Rojo y Sergei Bondarchuk volvió a desplegar toda su maestría en la dirección de grandes masas de extras. De hecho, las luchas representadas en "Waterloo" parecen mayores que las que se representan en "Voyna i Mir" a pesar de que el número de extras es diez veces menor. Una vez más volvemos a tener esas panorámicas espectaculares del campo de batalla. Algo realmente impresionante cuando nos muestra el momento de la carga de la caballería francesa sobre los cuadros del ejército aliado. Junto con las escenas de la película "Gettysburg", son las mejores escenas de batallas rodadas sólo a base de extras y sin efectos digitales. Además, el guión trató de ser lo más fiel posible a la historia.


La película está dividida en dos partes. La primera nos introduce en el trasfondo histórico que desembocará en la batalla, y la segunda es el desarrollo de dicha batalla. Al principio se nos muestra la abdicación de Napoleón en 1814 y su salida al primer exilio. Rod Steiger se encarga de interpretar a un Napoleón crepuscular que reprocha la presión de sus generales para que abdique tras haberlos llevado antes a la gloria. Después de su despedida de las tropas de la Guardia se nos muestran los títulos de crédito. Luego volvemos a su regreso de la Isla de Elba. El orondo rey Luis XVIII (interpretado por Orson Welles) ordena a Ney que le detenga y éste le promete que le traerá en una jaula.



En mi opinión la mejor escena de la película es el momento en el que Napoleón se dirige hacia las tropas enviadas por el Rey para detenerle. Las tropas de Ney están dispuestas en una colina. Hacia ellas avanzan a pie, Napoleón y sus fieles. Mientras las tropas de ambos bandos se despliegan y preparan para el combate, Napoleón alza la mano derecha como ordenando parar, pero luego la va bajando con un gesto de apaciguamiento. Sus grognards bajan sus mosquetes y Napoleón lentamente se acerca a las tropas de Ney. Bondarchuk entonces comienza a enfocar a la mano de Napoleón. Vemos como esa mano se va colocando a la espalda hasta que se cruza con la mano izquierda, de la cual agarra los dedos índice y corazón. Aunque el paso de Napoleón es lento y tranquilo, los dedos pulgar e índice de la mano derecho se frotan con nerviosismo. En un determinado momento las manos se sueltan y los puños se crispan a su espalda. Nuevamente se vuelven a coger y el frote de los dedos de la mano derecha vuelve a reanudarse mientras la cámara comienza a alejarse de las manos y nos empieza a mostrar nuevamente a Napoleón ya casi al lado de las tropas de Ney que siguen apuntándole. Entonces les dice: “Soldados del Quinto ¿Me reconoceis? Si queréis matar a vuestro Emperador, aquí me tenéis” y tras una larga mirada les grita “¡Fuego!”. Uno de los soldados no puede más y cae desmayado, el resto comienza a gritar “Vive la France!, Vive l’Empereur!”



Después de esto, Louis XVIII se exilia y Napoleón entra triunfante en Paris. Inmediatamente comienza a dictar órdenes y regulaciones. Ofrece la paz aunque sabe que no será aceptada, por lo que se prepara para la futura campaña.



Los aliados no están preparados para la rapidez de Napoleón. Dicha falta de preparación se nos muestra mediante un lujoso baile en Bruselas al que Wellington (Christopher Plummer) ha asistido. El baile se ve interrumpido por las alarmantes noticias del avance francés sobre Charleroi. A toda prisa, Wellington reúne a su plana mayor y les comunica que si no puede pararle en Quatre Bras, se parará a Napoleón en Waterloo.



Comienza así la segunda parte que nos contará el desarrollo de la Batalla de Waterloo. Veremos al ejército prusiano en retirada y la decisión de Blucher de apoyar a Wellington. Como Napoleón manda a Grouchy a perseguir a los prusianos. El despliegue del ejército aliado en Mont Saint Jean (aunque parece que el ejército solo es británico). La explicación de porqué Napoleón tuvo que esperar hasta mediodía para que el terreno se secara y la artillería fuera efectiva. Las luchas en la Haye Sainte y Hougoumont... Como en “Voyna i Mir”, Bondarchuk también hace composiciones pictóricas. Por ejemplo, la carga de los Scott Greys a cámara lenta recuerda muchísimo a la famosa pintura de Lady Blutter que representa dicha carga.


La batalla sigue desarrollándose. Tras la aniquilación de los Scott Greys, Napoleón y Wellington reciben las primeras noticias de la aproximación de los prusianos de Blucher. Napoleón se queja de que Grouchy no está (y no podría estar nunca pues Napoleón le había dado otras órdenes). Ney lanza su famoso ataque de caballería contra los cuadros ingleses al creer que estos se estaban retirando. Ese es sin duda el climax de la batalla. Las escenas y las tomas aéreas de la caballería francesa entre los cuadros rojos son espectaculares.



Sin embargo también se encuentra aquí lo que menos me gusta de esta película. En un momento dado, un soldado de los Inniskilling sale de un cuadro y comienza a gritar: ”¿Por qué luchamos? ¿Por qué nos matamos los unos a los otros? ¡Somos hermanos!” en medio de la carnicería que está sucediendo. No me gusta por dos motivos: Primero porque esa situación no es histórica (a un inniskilling en el siglo XIX ni lleno de ginebra se le ocurriría hacer eso) y segundo porque es una concesión al pacifismo que se vivía en los 70, cuando se realizó la película. En 1977 lo políticamente correcto era mostrar el horror de cualquier guerra (estamos al final de la Guerra del Vietnam) y además esto era una co-producción con la URSS, que “oficialmente” clamaba por la paz entre los pueblos (aunque un par de años después invadirá Afganistan). Me parece mucho más efectivo como mensaje pacifista los planos y pensamientos de Wellington mientras recorre el campo al final de la batalla.


En eso llegan los prusianos, así que Napoleón se ve forzado a mandar a la Guardia para tratar de romper la línea inglesa antes de que sean reforzados. Pero la Guardia es rechazada, el pánico se apodera del ejército francés y sucede el desastre. Solo un cuadro de la Vieja Guardia mantiene su puesto. Los ingleses le conminan a la rendición, pero tras la respuesta histórica del general Cambrone; “Merde!” aunque aquí la dice un soldado, el cuadro es aniquilado por los cañones británicos disparando a bocajarro. Esta escena no tiene base histórica. Los cuadros de la Vieja Guardia fueron destruidos, pero no así.



La batalla ha llegado a su fin. Wellington pasea entre toda la devastación y es entonces cuando pinesa su famosa frase de la cual existen diferentes versiones. La versión más aceptada es: “Nothing except a battle lost can be half as melancholy as a battle won”. Aunque en la película lo que dice es: “the only thing worse than a battle lost, is a battle won”, lo cual es un contrasentido si tenemos en cuenta la escena final. La película finaliza con un plano de Napoleón derrumbándose en el asiento de su coche comprendiendo que todo está perdido.


Desgraciadamente, la película fue un fracaso en taquilla. De hecho afectó a la producción de otra película sobre Napoleón que iba a dirigir Stanley Kubrick. Parece ser que iba a representar un gran número de batallas pero como eso no era lo que gustaba, éste decidió que era mejor abandonar dicho proyecto y dedicarse a realizar uno que conectase con el gran público. Así que realizó "Barry Lindon" y en ella incluyo una de las mejores escenas que representa el modo de luchar del siglo XVIII.

PELÍCULA:



Artículo de -Asier Meéndez Marín


jueves, 5 de diciembre de 2013

GENERALES EN GUERRA STALINGRADO.

DOCUMENTAL:




SINPOSIS:

El ataque se dirigió hacia el sur con la finalidad de acceder al petróleo del Cáucaso. En un principio, la "guerra relámpago" alemana fue un total éxito y las tropas alemanas avanzaron vigorosamente. Sin embargo, hubo un momento en que el ejército alemán se dividió en dos objetivos: ocupar la ciudad de Stalingrado en el Volga, punto clave hacia los Urales, y continuar el avance hacia el sur, hacia el Cáucaso.

Esta división de fuerzas fue fatal ya que las tropas nazis se encontraron con una creciente resistencia soviética. Hitler decidió concentrarse en ocupar la ciudad que llevaba el nombre del dictador soviético. Una brutal lucha casa por casa llevó al ejército alemán al corazón de la ciudad.

Sin embargo, el ejército de Von Paulus, cada vez más agotado y desmoralizado, no pudo impedir la maniobra envolvente de los soviéticos. El 23 de noviembre, el VI Ejército alemán estaba totalmente rodeado. Más de un cuarto de millón de tropas alemanas y de otros países aliados del Eje había sido cercadas. Hitler ordenó a Von Paulus continuar la resistencia.

Finalmente el 31 de enero de 1943, Von Paulus firmó la rendición. Acababa de terminar la batalla clave de la guerra. En adelante, el ejército hitleriano no cesó de retroceder en el frente oriental hasta su completa derrota en 1945.

VÍDEO: